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Arte y Moda: Cómo colaboran artistas y diseñadores en crear nuevos estilos

Gucci Ghost x Gucci
“Los buenos artistas toman prestado. Los grandes artistas roban” dice la famosa frase de Picasso. Si hubiera estado vivo para ver la colaboración entre el artista callejero Trevor Andrew, también conocido como Gucci Ghost, y Gucci, podría haber agregado que los artistas inteligentes (o marcas, por así decirlo) regresan. Hace unos 10 años, Andrew comenzó a incorporar el logotipo de Gucci, esas icónicas G entrelazadas originalmente creadas en la década de 1930 por uno de los hijos de Guccio Gucci, en los grafitis que roció en las paredes, la ropa, los muebles, los contenedores de basura y lo que sea, y notó que tenía cierto efecto. «Pensé que era fascinante cómo la gente se tomaba una foto junto a un cubo de basura solo porque le puse la firma Gucci G», dijo recientemente a la revista Ocean Drive.

Gucci Ghost pensó que seguiría así hasta que, como dijo una vez, la marca lo demandara o lo contratara. En 2016, el director creativo de Gucci, Alessandro Michele, lo invitó a colaborar en la colección de otoño, dándole un estudio para trabajar y, en última instancia, una gira mundial. De las 80 piezas resultantes, una mezcla de ropa y accesorios estampados con el logo en un garabato de graffiti, junto con otros adornos como estrellas y rayas, Andrew, que en estos días todavía está haciendo arte (y NFT), dijo que sus favoritos incluían textiles. patrones para una falda plisada roja y crema y para una serie de chaquetas bomber en diferentes telas y combinaciones de colores, y el bolso Real, un bolso con el nombre de Gucci en relieve, la palabra real garabateada en él con «pintura» goteando.

Jill Magid x Evan Yurman
Cuando la artista conceptual Jill Magid conoció a Evan Yurman, hijo de David Yurman, fundador de la marca de joyería de diseñador del mismo nombre, supo que había encontrado un espíritu afín. “Me reunió con él en sus oficinas de Canal Street y me dio un recorrido”, dijo. “Estaba realmente orgulloso de los dibujos y esculturas de su padre. Aprendió a manipular objetos cuando era pequeño. La idea de que hubiera un cruce de arte y joyería fue realmente emocionante «.

En ese momento, Magid y Yurman ya habían comenzado a discutir una colaboración en la que convertiría el centavo de cobre que Magid diseñó para su proyecto de arte público Tender en un collar. En septiembre pasado, con el apoyo de la organización de arte público Creative Time, Magid tenía 120,000 centavos (igual a la cantidad en un cheque de estímulo de $ 1,200 que el gobierno de los EE. UU. Distribuyó como alivio pandémico) grabados en el borde del perímetro con la frase apropiada «el cuerpo ya estaba tan frágil ”y envuelto en envoltorios rojos y blancos; las monedas circulaban principalmente a través de las bodegas de la ciudad de Nueva York. Poco después de liberar los centavos, supo que quería convertir a Tender en un proyecto de joyería, y su amiga Selby Drummond, exeditora de joyas de Vogue, le presentó a Yurman.

“Viniendo de una familia de artistas, David es escultor y mi madre es pintora, me conecté con el proyecto de Jill de inmediato”, dijo Yurman. «Abordé el proyecto desde una perspectiva de artesanía y diseño, con el objetivo de dar vida al trabajo conceptual de Jill en joyería».

Two necklaces holding pennies draped over a beige background.

Inicialmente, a Magid le preocupaba que algunos de los elementos más conceptuales de su trabajo fueran difíciles de traducir, pero Yurman y su equipo lo hicieron posible. “Se sintió como una verdadera colaboración en el sentido de que ayudaron a hacer realidad mi idea”, dijo Magid. «No establecieron parámetros molestos y aceptaron e incluso abrazaron la inversión del texto en la moneda».

Por una razón muy personal, Magid quería que el amuleto de la moneda colgara sobre el corazón de su portador: cuando era pequeño, su hijo se tragó un centavo que apareció allí en una radiografía. “No soy una gran usuaria de joyas”, dijo Magid, “pero sí me apego mucho a ciertas piezas”, como el anillo meñique que compró en la tienda de regalos de Casa Barragán en la Ciudad de México, la casa preservada del arquitecto. Luis Barragán, justo antes de proponer un proyecto al museo. Ese proyecto siguió adelante y el anillo meñique se convirtió en un amuleto de buena suerte. (En 2016, Magid hizo convertir algunas de las cenizas de Barragán en un diamante y engastarlas en un anillo de compromiso con el texto «Soy de todo corazón tuyo»).

La artista Jill Magid y el joyero Evan Yurman colaboraron para convertir el proyecto de arte público Tender de Magid en un collar. CORTESÍA DE DAVID YURMAN

Yurman y su equipo reprodujeron la moneda de Magid en oro rosa de 18 quilates «para emular el cobre de un centavo estadounidense», dijo. En la versión de edición limitada, el penique colgante gira dentro de un marco circular de oro con ribetes de rubí y diamantes, evocando los envoltorios rojos y blancos.

Magid le da crédito a Yurman por haber captado detalles en la transformación de moneda a collar que podrían haberla eludido. Yurman señaló que, como un centavo real, el lado positivo se invierte cuando se gira de derecha a izquierda. “Fue realmente una pregunta hermosa”, dijo Magid. Decidieron juntos alterar la moneda para que tanto la cara como la cruz aparezcan con el lado correcto hacia arriba. «El centavo se está transformando de su función en el comercio a un dispositivo portátil para el cuerpo», dijo Magid, «así que estaba bien cambiar la orientación».

Salvador Dalí x Elsa Schiaparelli

Cuando el Museo Salvador Dalí en San Petersburgo, Florida, presentó la exposición de 2017 «Dalí & Schiaparelli, In Daring Fashion», la revista Vogue propuso que en la década de 1930, los dos artistas habían «inventado la colaboración arte / moda», y agregó que «La ironía, la combinación de materiales altos y bajos, y los materiales promocionales multimedia que fueron pioneros, todavía son utilizados por artistas y diseñadores en la actualidad». Como el O.G. Proyecto de arte / moda, Dalí + Schiaparelli nos trajeron el sombrero Shoe, el vestido Lobster, el vestido Tears y el vestido Skeleton. En retrospectiva, los resultados de su colaboración presagiaron una gran cantidad de dispositivos portátiles improbables, desde los extravagantes sombreros de Isabella Blow hasta las máscaras faciales de Alexander McQueen y las máscaras antigás de Irene Luft, así como acrobacias en la pasarela como los modelos de Gucci que llevan réplicas de sus propias cabezas y los modelos de Rick Owens que llevan el peso del cuerpo de otra modelo envuelto alrededor del suyo. Más importante aún, demostraron que el cuerpo humano podía ser un medio excelente para el arte de su propio tipo.

Hank Willis Thomas x Helmut Lang

Hank Willis Thomas ha utilizado texto en su trabajo desde el principio, esgrimiendo palabras con efecto político: para una valla publicitaria en Pearl, Mississippi, en 2016, colocó el lema de la campaña de Donald Trump «Make America Great Again» contra una imagen del Selma Civil de 1965. Campaña de derechos. A principios de este año, se asoció con la marca de moda Helmut Lang para presentar uno de sus textos más provocativos de una manera completamente nueva: lanzó una colección limitada de 10 piezas, con sudaderas con capucha, camisetas y un vestido, basada en su firma 2010 trabajo que utiliza la impresión lenticular para representar un eslogan que dice, según el punto de vista, o TODO SE TRATA DE USTED o NO SE TRATA DE USTED.

Helmut Lang logró recrear el efecto lenticular en las prendas, lo que resultó en piezas de conversación ponibles. Y fiel al compromiso de Willis Thomas con las causas sociales y políticas, el 15 por ciento de las ganancias de las ventas se destina a la organización de reforma penitenciaria Incarceration Nations Network.

A Black woman wearing a white dress that has on it black text reading 'IT'S ALL ABOUT YOU.'

El artista Wildcat Ebony Brown con un artículo de la colaboración de Hank Willis Thomas en el verano de 2021 con Helmut Lang. CORTESÍA DE HANK WILLIS THOMAS

Esta no es la primera vez que Willis Thomas colabora con una marca de moda. El año pasado, con Equator Productions, creó una campaña para las colecciones de primavera / verano de 2021 Pre-Spring y Men’s Spring / Summer de Chitose Abe, director creativo y fundador de la casa de moda japonesa Sacai. Para ese proyecto, Willis Thomas trajo a su propio equipo, incluidos los músicos Keyon Harrold y Jason Moran, y la artista Zoë Buckman, para crear una película. Tampoco es la primera vez que Helmut Lang hace lo mismo. Antes de trabajar con Willis Thomas vinieron colaboraciones con Carrie Mae Weems, Jeremy Deller, Josephine Meckseper y, en una de las asociaciones más emblemáticas de la historia del arte y la moda, Vanessa Beecroft. En 2001, Lang diseñó botas negras hasta los muslos para una prueba de rendimiento y resistencia de Beecroft en la Kunsthalle Wien titulada «VB45», en la que las modelos estaban desnudas, salvo por esas botas, en formación militar hasta que, exhaustas, se tumbaban. en el piso.

Por su parte, Willis Thomas parece probable que continúe experimentando en la misma línea. Sobre su proyecto con Helmut Lang, le dijo a WWD: «Siempre he estado obsesionado con cómo la moda y la marca dan forma a nuestra perspectiva de los demás y de nosotros mismos».

A black-and-white photograph of a Black woman wearing an elegant black dress and holding a basketball in a field.
La marca Jordan de Nike hizo que Ming Smith fotografiara a la jugadora de la WNBA Satou Sabally. CORTESÍA DE JORDAN BRAND/NIKE.

Ming Smith x Nike

En una entrevista reciente con su galerista Nicola Vassell, Ming Smith comparó su técnica fotográfica con una determinada toma en el baloncesto: “El poder de la anticipación y la paciencia para esperar lo que viene, es como un jugador de baloncesto que lanza tres puntos: practica, repite , practica, repite. Mejoras y aún te perderás algunas. En fotografía, tienes que clavarlo en el momento en que está en la lente. Toma la foto cuando la veas «.

Para el 25 aniversario de la Asociación Nacional de Baloncesto Femenino, Smith tuvo la oportunidad de disparar a algunas de las jugadoras conocidas por hundir esos triples. A principios de este año, con la ayuda de Vassell como director creativo, la marca Jordan de Nike trajo a Smith para fotografiar a los miembros de la familia de la marca Jordan que, juntos, representan el grupo más grande de atletas femeninas que Jordan ha respaldado. Se incluyen retratos del base de los Minnesota Lynx, Crystal Dangerfield, del base de Phoenix Mercury, Kia Nurse, del alero de los Dallas Wings, Satou Sabally, y otros. En la serie, los atletas están casi todos vestidos de negro, tanto en tomas individuales como grupales, en las que flanquean al propio Michael Jordan.

Conocida por emplear una amplia gama de técnicas para producir imágenes etéreas que se remontan a principios de los años 70, Smith es la única mujer miembro de Kamoinge, un colectivo de fotógrafos negros fundado por Roy DeCarava. Sobre el tema de la representación de los atletas, Smith dijo a la revista i-D: “Las imágenes de empoderamiento no son estereotipadas. Nuestras madres no tenían que mostrar un gran escote, pero eran muy femeninas. Eran mujeres. Somos mujeres. Así que su belleza es hermosa para mí por dentro y por fuera. Es lo físico y espiritual … el espíritu «.

Richard Prince x Louis Vuitton

Durante las últimas dos décadas, Louis Vuitton se ha convertido en sinónimo de colaboraciones de artistas. Trabajando al revés, hubo una línea de bolsos, bufandas y pequeños artículos de cuero en 2017 basada en la serie «Gazing Ball» de Jeff Koons, que se apropió de pinturas famosas de personajes como Leonardo da Vinci, Vincent van Gogh y Claude Monet. En 2012, el director creativo de Vuitton, Marc Jacobs, un coleccionista de arte, hizo todo lo posible por Yayoi Kusama, entonces de 82 años, salpicando sus lunares característicos no solo en ropa y accesorios, sino en toda la tienda insignia de la marca en Nueva York. Y luego estaba el último «bolso de mano», una colaboración de 2003 con la superestrella japonesa Takashi Murakami. Sus diseños llamativos y similares al anime les dieron una popularidad incalculable, por lo que no es de extrañar que la colaboración continuara durante 15 años completos a través de varias colecciones.

Si bien todas estas colaboraciones resultaron fructíferas, el trabajo de Jacobs con Richard Prince en 2008 se lleva la palma. En el momento de su retrospectiva de 2007 en el Museo Guggenheim, las pinturas de la «Enfermera» de Prince basadas en las portadas de libros de bolsillo antiguos de pulp fiction se estaban vendiendo en subastas por millones. Inspirado por la exposición de su colección Primavera / Verano 2008, Jacobs envió a 12 supermodelos —incluyendo a Naomi Campbell y Natalia Vodianova— por la pasarela con trajes de enfermera diáfanos y máscaras faciales de encaje negro con monograma LV; llevaban bolsas adornadas con otras obras de Prince y usaban gorras de enfermera que colectivamente decían «Louis Vuitton».

En febrero de 2020, con Covid comenzando su mortífero alboroto global, Jacobs publicó una cuadrícula de fotos de las modelos en Instagram, junto con el mensaje: «Ojalá … me hubiera aferrado a una de estas». Mascarilla de encaje Louis Vuitton Spring 2008 Monogram. #justsayin ’#FASHIONNURSE #richardprince».

Stella McCartney x Varios Artistas

«Me siento más energizado cuando me sumerjo en un entorno colaborativo donde las ideas pueden alimentarse entre sí de forma creativa». Así lo dijo Stella McCartney sobre la larga lista de artistas con los que ha trabajado.

Su segunda versión de «Shared», una colección cápsula concebida como una «exploración juvenil y sin género de un colectivo internacional vinculado por estilos compartidos y valores activistas», presenta el trabajo del artista japonés Yoshitomo Nara. Para su colección de primavera de 2021, basada en un «Manifiesto de la A a la Z» que combinaba letras del alfabeto con ideas progresivas (M de Mindful, R de Reutilización, etc.), se inspiró en una lista estrellada de nombres de primera línea que incluyen Rashid Johnson, Jeff Koons, Sheila Hicks, Cindy Sherman, George Condo, Olafur Eliasson, William Eggleston y otros cuyo trabajo ha seguido desde que creció en torno al arte con sus padres Paul y Linda McCartney.

“Un momento memorable fue de mi colección de invierno de 2020”, recordó haber trabajado de la manera que más le gustaba. “Conocí a Erté, que es un artista increíble, a una edad temprana en un avión con mis padres. Siempre he admirado su trabajo y nunca imaginé que
tendría la oportunidad de colaborar con él. Sin embargo, muchas lunas después de esa primera reunión, tuve la suerte de incorporar algunas de sus impresiones de archivo nunca antes vistas para un espectáculo especial «.

A Black woman wearing a long white T-shirt featuring an abstraction on it.

Camiseta «O Is for Organic» de la línea «A to Z Manifesto», basada en la escultura Imaginary morning eclipse de Olafur Eliasson, 2020. CORTESÍA DE STELLA MCCARTNEY

Vivir dentro y alrededor del arte ayudó a guiar su ojo, dijo McCartney. “Uno de mis pilares rectores en el diseño es siempre el arte. Constantemente me inspiro en el mundo del arte. El arte no solo me motiva a reflexionar en el presente, sino que también puede ofrecer perspectivas alternativas que dan vida a nuevas realidades ”.

Y ve un futuro prometedor para la moda que forja conexiones con el arte y viceversa. “Cada vez que colaboro con un artista, el proceso es claramente especial”, dijo, “y mientras los mundos del arte y la moda continúan entrelazándose, creo firmemente que un mundo no puede vivir sin el otro.”

A group of models on a riser-like structure.
En el programa Primavera / Verano 2021 de Burberry, una colaboración con Anne Imhof, las modelos sirvieron como espectadores de una actuación. CORTESÍA DE BURBERRY.

Anne Imhof x Burberry

En la primavera de 2020, la pandemia hizo una pausa en los desfiles y el mundo de la moda recurrió a los cortometrajes para presentar sus últimas colecciones. Para el verano, cuando el director creativo de Burberry, Riccardo Tisci, comenzó a planificar una presentación para la colección Primavera / Verano 2021 de Burberry, otros diseñadores ya habían comenzado su propio pensamiento original sobre formatos revisados. En julio, para su colección Primavera / Verano 2021, Miuccia Prada mostró películas de cinco artistas diferentes: Terence Nance, Joanna Piotrowska, Martine Syms, Juergen Teller y Willy Vanderperre, a quienes había pedido que «interpretaran» sus diseños. Tisci, por su parte, decidió acercarse a la artista alemana Anne Imhof. «Sabía que era alguien con quien podía relacionarme creativamente y que podía aportar una perspectiva totalmente única a la experiencia que estaba creando para el programa», dijo.

La colección de Tisci se inspiró, dice, en una imaginaria «historia de amor entre una sirena y un tiburón», y numerosas prendas presentaban imágenes mitológicas y marinas. Él e Imhof se establecieron en un bosque remoto en Inglaterra como escenario, que sintió significaba un regreso a la libertad después de meses de encierro. En la película, que se estrenó durante la semana de la moda de Londres el pasado mes de septiembre, las modelos siguen caminos que conducen a un claro, donde se organizan en círculo y sirven como audiencia para un espectáculo de danza con matices rituales. La pintora Eliza Douglas, compañera de vida de Imhof y colaboradora frecuente, escribió la música de la pieza, que es pesada en heavy metal (presenta algunos headbanging importantes). Los artistas de Imhof están vestidos todos de blanco; dijo que ve la película como un mensaje de positividad y esperanza.

Tisci había recurrido a artistas de performance antes: para su colección Primavera / Verano 2016, hizo que Marina Abramović colocara artistas silenciosos alrededor de su desfile, en lo que fue el esfuerzo inicial de Imhof para dirigir tal presentación, aunque no era ajena a trabajar con un gran elenco. . Sus obras de arte tienden a representaciones duraderas con bailarines que se mueven por un espacio bajo su dirección. La estrella del arte de Imhof había ido en aumento durante algunos años antes de ganar su mayor galardón en 2017, el León de Oro de la Bienal de Venecia, por Fausto, una puesta en escena en el Pabellón de Alemania, en la que coreografió a un equipo de bailarines vestidos de calle para moverse. sobre lánguidamente en la arquitectura de la era nazi del pabellón, acompañado por pinschers Doberman.

En ese momento, Imhof ya había forjado conexiones con el mundo de la moda a través de Douglas, quien había modelado para Helmut Lang y Balenciaga. En el otoño de 2017, mientras su trabajo todavía estaba a la vista en la Bienal, Imhof supervisó su primera sesión de moda, asociándose con la estilista Lotta Volkova para una publicación en la revista W que presentaba marcas deportivas de Douglas como Prada, Calvin Klein, Lanvin, Balenciaga y Burberry. Imhof dijo en ese momento que estaba fascinada por la forma en que la moda «es tan actual pero, al mismo tiempo, se trata de tomar de la historia».

La atracción por un determinado período de la historia es algo que Imhof y Tisci tienen en común. «Anne tiene esta visión muy poderosa y distintiva y un sentimiento en su trabajo de algo desde finales de la década de 1990 hasta principios de la de 2000», dijo Tisci. «Ambos compartimos nostalgia y conexión con la crudeza de esa época: su moda, música y arte».

En cuanto a trabajar juntos, dijo Tisci, «fue una colaboración increíble para mí, un verdadero intercambio de energía y opinión, a medida que descubría más y más sobre el mundo de Anne». Y planea seguir trabajando de manera similar en el futuro. «Siempre estoy colaborando con artistas», dijo sobre proyectos anteriores con artistas como Abramović y Kehinde Wiley. «Para mí, el intercambio de diferentes perspectivas es la forma de lograr una verdadera apertura y libertad en la creatividad».

A version of this article appears in the August/September 2021 issue of ARTnews, under the title “Art X Fashion.”